CULTURA - ARTE - IL GOTICO

INTRODUZIONE

Il termine «gotico» nasce nel Rinascimento con intenzioni dispregiative, a bollare di «barbaro» tutto il periodo e la connessa cultura figurativa medievale. Solo con l'Ottocento passò a definire il XIII e XIV sec., nell'accezione corrente.
Centro propulsore delle novità «gotiche» in campo architettonico e decorativo fu l'Ile-de-France e in particolare il grande cantiere sorto attorno alla basilica di Saint-Denis nella prima metà del XII sec. per volere dell'abate Suger.
Rispetto alla possente struttura degli edifici romanici, quelli gotici presentano soluzioni molto più ardite e complesse, fondate sull'abile distribuzione delle spinte per mezzo di archi rampanti.
La parete, così alleggerita, può quindi assottigliarsi sino a scomparire ed essere sostituita da grandi aperture chiuse da vetrate.
Analogamente il tessuto decorativo scultoreo si espande sino a permeare ogni elemento della costruzione.
In Italia queste innovazioni vengono in primo luogo portate dai nuovi ordini, soprattutto dai cistercensi, che fondano numerose abbazie secondo un modello elaborato nella casa madre di Cîteaux in Borgogna.
Si ricordano, tra le principali, quella di Chiaravalle, fondata da S. Bernardo, di Chiaravalle della Colomba in Emilia, di Staffarda in Piemonte, di Fossanova e Casamari nel Lazio.
L'interpretazione cistercense degli elementi gotici tende però ad un'estrema semplificazione, che consiste nella rinuncia ad absidi complesse, sostituite da muri rettilinei (il cosiddetto «coro bernardino»), e quasi ad ogni forma di decorazione.
Ricostruzione virtuale del cantiere di una cattedrale gotica

IL RINNOVAMENTO DELLA SCULTURA

Un artista di transizione tra la possente plastica romanica ed il nuovo gusto gotico è Benedetto Antelami, che dalla giovanile Deposizione del Duomo di Parma (1178) evolve verso le forme raffinate ed eleganti dei Mesi del battistero della stessa città, nei quali il lavoro e la vita dell'uomo giungono a rinnovata consapevolezza.
Ma è a Pisa che la scultura italiana, alla metà del XIII sec., grazie all'attività di Nicola Pisano continuata dal figlio Giovanni, rompe i legami con la precedente tradizione, aprendosi ad un'attenta rilettura della cultura classica e a strette connessioni con la coeva esperienza gotica.
Nicola giunse a Pisa probabilmente dalla natia Puglia, nella quale si era formato a contatto con i grandi cantieri avviati da Federico II (Castel del Monte, Andria), propugnatore di una linguaggio artistico europeo nel comune denominatore della cristianità latina e della tradizione classica.
Tali caratteri emergono dalla prima grande opera di Nicola, il pulpito esagonale per il battistero della cattedrale di Pisa (1260): le figure acquistano una nuova proporzione, ispirata ai grandi modelli antichi desunti dai sarcofagi del vicino Camposanto.
La svolta di Nicola è proseguita da Giovanni, che accentua il dinamismo lineare gotico (pulpito della cattedrale di Pisa, 1302-12).
Nella bottega di Nicola si forma anche Arnolfo di Cambio (1245-1302), architetto e scultore, che cercò invece una nitida sintesi delle forme in volumi stereometrici e rigorosamente scanditi (ritratto di Bonifacio VIII, a Firenze).

IL CANTIERE DI ASSISI

Due anni solo dopo la morte di San Francesco venne avviata la grande fabbrica della basilica a lui dedicata ad Assisi, articolata su due piani. Quello inferiore, con cappelle laterali, è greve ed ancora ricco di richiami romanici; quello superiore è concepito come una limpida aula unica, adatta alla predicazione. Sarà la decorazione di queste pareti a richiamare i maggiori artisti del tempo, e a segnare il deciso superamento della tradizione bizantina.
Nel transetto si conserva la Crocifissione di Cimabue, che dà profondo pathos e nuovo senso plastico alle forme attraverso l'uso sapiente del chiaroscuro.
Lungo la navata si dispongono le storie di San Francesco, unanimemente attribuite a Giotto, personalità rivoluzionaria della pittura italiana, che riafferma il valore centrale dell'uomo collocato in uno spazio certo ed esperibile, ormai lontano dalle astrazioni medievali.
Anche la vita del santo viene tuttavia interpretata in questa chiave di profonda e commossa umanità. I colori sono compatti, sobri e vividi; le forme sono animate da un possente chiaroscuro e senso della corporeità; la gamma espressiva è salda e varia.
Attraverso i suoi numerosi viaggi in tutta Italia (si ricordi in particolare il soggiorno padovano e la decorazione della cappella degli Scrovegni, 1302) contribuì in modo determinante a diffondere il nuovo linguaggio pittorico, creando scuole «locali» a lui collegate (Rimini, Milano).
La Basilica di San Francesco ad Assisi

Giotto: "Il giudizio universale" (part.)

SIENA

A Siena, invece, i legami con la tradizione bizantina sono più saldi e duraturi, le fratture meno evidenti.
Caposcuola riconosciuto è Duccio di Buoninsegna (notizie dal 1278 al 1318), che declina con ritmi raffinati ed eleganti le novità gotiche d'oltralpe (Maestà nel Duomo di Siena).
Duccio di Buoninsegna: "Maestà" (1311)

Decisamente orientato verso un gusto cortese è Simone Martini, che utilizza una linea duttile e sinuosa ed una gamma cromatica tenera e sensibile (Maestà nel palazzo pubblico di Siena). Il suo viaggio ad Avignone contribuì ad una diffusione dei modi senesi in Europa.
Personalità di mediazione con la lezione giottesca sono i fratelli Lorenzetti, Ambrogio e Pietro. Estremamente interessante è il ciclo (di Ambrogio) dell'Allegoria del buono e cattivo governo nella sala dei Nove nel palazzo pubblico di Siena, nella quale per la prima volta viene trattato un tema tutto profano e si afferma la centralità della vita comunale.
Pietro è sensibile all'esperienza di Giovanni Pisano, e ne riprende alcuni tratti caratteristici.
La peste del 1348 segnò sicuramente una brusca interruzione nello svolgersi di questa fervida produzione artistica. Molti artisti scomparvero, ma soprattutto cambiò il gusto e mutarono le aspettative del mercato. La religiosità si fece più cupa ed il timore della morte più intenso, come appare in diversi cicli di affreschi (Camposanto di Pisa). Interprete di questa sensibilità fu soprattutto Andrea Orcagna.

IL GOTICO INTERNAZIONALE

Nella seconda metà del XIV sec., intorno alle prime Signorie insediatesi in alcuni grandi centri dell'Italia settentrionale, si venne a formare una cerchia di nobili e dignitari, di letterati ed artisti che presto assunse l'aspetto di una vera e propria corte principesca. Queste piccole società, chiuse ed isolate nei nuovi accoglienti castelli-palazzo, strinsero stabili rapporti tra di loro e con le grandi corti straniere (Praga, Parigi, di Borgogna a Digione, del duca di Berry a Bourges), di cui condividevano gli interessi economico-politici e di cui presto assimilarono la cultura, il gusto e la moda.
Tale fenomeno di cosmopolitismo diede origine allo stile cosiddetto «gotico internazionale» o «tardogotico» (in rapporto al suo sviluppo cronologico) che interpreta la raffinata civiltà coniata civiltà «cortese» con piena aderenza alla vita, al costume, allo spirito di queste corti dominanti l'Euo del '300 e nel primo '400.
L'arte assume il tono fiabesco ed irreale proprio di questo mondo aristocratico con una spiccata tendenza ad un estetismo profano, a forme squisite, stilizzate e convenzionali, ad un vivo senso della linea, una linea falcata, che perde la sua nervosità espressiva per tramutarsi in ritmi calligrafici e musicali.
Il colore si fa lieve, prezioso, il fondo oro delle tavole antiche scompare e la natura comincia ad essere indagata con analisi minuziosa nei suoi particolari più ornamentali. Anche l'uomo è osservato con nuovo interesse, volto però a ritrarne soprattutto l'aspetto esteriore, la bellezza e l'eleganza dei costumi e delle acconciature. Non v'è ancora senso dello spazio e profondità prospettica: il campo del quadro, gremito di forme rese a colori smaltati, dà quasi l'impressione di un giardino fiorito («hortus conclusus» o «giardino del Paradiso») o di un tappeto orientale (Madonna del Roseto di Stefano da Verona; Verona, Museo di Castelvecchio).
Nella rappresentazione di un mondo fastoso e ricercato, in cui l'apparenza acquista grande importanza, l'arte tardogotica sa ben cogliere ed esprimere l'apparato lussuoso e l'ornamentazione di cui si circonda la società.
Nelle splendide pagine miniate dei fratelli de Limbourg (Les très riches heures du duc de Berry; Chantilly, Musée Condé) il duca di Berry, un aristocratico francese del '400, appare seduto ad una tavola imbandita con suppellettili e vasellame d'oro e d'argento. I rarefatti «figurini» di Pisanello (Pisa 1380 ca. - entro il 1445) o del veneziano Jacopo Bellini (1396?-1470?) dimostrano lo studio riservato non tanto alla resa del corpo quanto alla veste, al costume, generalmente abbondante e di tessuto pregiato (per gli abiti dei personaggi delle corti viscontea e sforzesca centinaia di persone lavoravano per lunghi mesi sete e velluti intessuti di fili d'oro). Le cadenze lineari degli ampi panneggi che la moda voleva ricchi ed eleganti, privi di pieghe dure ed angolose, assumono una funzione determinante nello sviluppo dell'intera composizione pittorica: Piccolo Dittico del Bargello: Adorazione dei Magi e Crocifissione (Firenze, Museo del Bargello); Matrimonio mistico di Santa Caterina di Michelino da Besozzo (Siena, Pinacoteca).
Le arti minori in particolare ricevono un incremento notevolissimo per venire incontro alle nuove esigenze di una società in grado ormai di apprezzare l'alta qualità e la straordinaria finezza tecnica dei manufatti artistici. I maggiori pittori del tempo si applicano ad illustrare temi letterari, religiosi, pseudo-scientifici (Tacuina sanitatis) destinati alle fornite biblioteche dei signori, senza disdegnare, inoltre, di disegnare carte da gioco (mazzo di tarocchi dipinto dal cremonese Bonifacio Bembo, Bergamo, Acc. Carrara), bandiere, scudi da parata, armature, maschere e persino mobilio. Accanto alla miniatura, importantissima è la produzione di arazzi, di pezzi di oreficeria sia sacra sia profana e di oggetti d'uso domestico come specchi, pettini, cofanetti e arredi in avorio, istoriati con scenette amorose e cavalleresche di evidente gusto nordico (Francia) e grande eleganza decorativa.

LE VETRATE

Essenziale complemento, decorativo e funzionale, degli edifici religiosi dal Medioevo in poi sono le vetrate.
Esse consistono in un insieme di tasselli di vetro, generalmente policromi, saldati tra loro mediante legature di piombo e inseriti in armature metalliche in modo da comporre delle serie di immagini.
L'uso di tali superfici con lo scopo di chiudere aperture, in particolare finestre, nelle pareti di edifici, risale a tempi molto antichi (Egitto, II millennio); ma fu soltanto dal IX-X secolo che nacquero le prime vetrate dipinte. Grande importanza assunsero nelle strutture architettoniche gotiche: i muri delle chiese, ridotti di spessore, perdevano la loro funzione portante e si ornavano di meravigliose vetrate attraverso cui filtrava una suggestiva luce colorata all'interno delle navate.
Ne ritroviamo esempi in cattedrali sia d'oltralpe (Chartres, Bourges, Sainte-Chapelle e Notre-Dame di Parigi, Canterbury, Colonia) sia italiane (S. Francesco di Assisi, Cattedrale di Siena, Duomo di Milano).
La cattedrale di Notre-Dame di Parigi

Visita virtuale all’interno della cattedrale di Notre Dame a Parigi. Veduta della navata centrale

Ricostruzione virtuale della cattedrale di Notre Dame a Parigi

Ricostruzione virtuale della cattedrale di Chartres, in Francia

Il duomo di Milano

Il procedimento tecnico consisteva nel disporre le piccole lastre di vetro sul disegno al vero della composizione (cartone): tali lastre venivano dipinte con la cosiddetta grisaille (polvere di ossido di ferro di rame unita a solvente e stesa con pennelli diversi a seconda degli effetti da ottenere), e sottoposte a nuova cottura. Le varie parti, divise da doppi listelli, si incastravano quindi nell'armatura in piombo, e l'intera superficie di vetro così ottenuta era collocata definitivamente negli stipiti della finestra grazie ad un telaio di ferro.